ARTyES tiene el honor de presentar el kaleidoscopio de artistas que conforman lo más representativo que promovemos a escala mundial. Te invitamos a que los recorras para que conozcas en detalle el perfil artístico, cultural y curricular de cada uno de ellos. Si tienes interés en contratar a alguno de nuestros artistas, ponte en contacto con nosotros a través de nuestro correo o de nuestro Formulario AQUÍ.
GénerosPrimer infancia
SemblanzaCanticuénticos, el reconocido grupo argentino de música para las infancias y fa- milias presenta sus canciones más queridas y nuevo material.
Con 15 años de trayectoria, Canticuénticos ha recorrido América Latina, realizan- do más de 2.000 shows con una propuesta original, alejada de los estereotipos, que combina diversión con emociones profundas, convocando a toda la familia para cantar, jugar y bailar a través de la música en vivo, el humor, la poesía y la emoción.
La propuesta de CANTICUÉNTICOS es realizar un aporte al cancionero infantil, con composiciones propias sobre ritmos latinoamericanos, con el deseo de vin- cular afectivamente a los niños y niñas con su propio patrimonio cultural. Expli- can los Canticuénticos acerca de lo que hacen: “Queremos mostrarles a niños y niñas cuánta riqueza hay en nuestros ritmos folklóricos, porque nos dan identi- dad, porque hablan como nosotros hablamos, nos divierten y nos emocionan al modo nuestro. Y son un tesoro que queremos poner al alcance de los más pe- queños, para que lo conozcan y lo lleven toda la vida con ellos”.
Sus canciones se cantan, bailan y escuchan en miles de hogares, escuelas y jar- dines de toda América Latina, y son escuchadas +600.000 veces por día y acu- mulan más de 600.000.000 vistas en su canal de YouTube. Entre sus canciones más conocidas se pueden mencionar: La Cumbia del Monstruo de la laguna; El mamboretá; Noni noni; Bate con la cucharita; Viene para acá, Quiero para mí, Si viene de la tierra, A cocochito y El lorito Teté.
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GénerosBolero cubano
SemblanzaOmara Portuondo Peláez nació en La Habana, un 29 Octubre de 1930.
Tuvo la fortuna de crecer en un ambiente propicio al arte. Sus padres amaban la música la música y con este amor transmitieron a la pequeña Omara el conocimiento de la música tradicional cubana, sus primeras raíces, de ahí viene su admiración por: Ernesto Lecuona, Isolina Carrillo, Arsenio Rodríguez, y muchos otros.
Supo convinar sus estudios de bachiller con mecanografía, taquigrafía, idioma inglés, canto y música elemental. Luego recibió clases de baile que le sirvieron para iniciar su largo camino por el arte.
Sus inicios como cantante fueron con el grupo Loquibambia que dirigía el maestro Frank Emilio Flynn, donde también trabajaba José Antonio Méndez, posteriormente canta y baila con la agrupación femenina “Anacaonas” y mas tarde forma parte del cuarteto de Orlando de la Rosa junto a Elena Burque, Adalberto del Río y Roberto Barceló. En esos tiempos debutó en la radio, donde fué anunciada como “Srta. Omara Brown, la novia del filing.” Todavía muchos cubanos la conocen como “la novia del filing”.
En 1951 integra el conocido cuarteto D´Aida, dandose a conocer su calidad interpretativa, bajo la dirección de Aida Diestro quien proponía arreglos muy innovadores. Junto a Elena Burque, Moraima Secada y Haydé Portuondo, logran fundir de manera impecable sus voces, alcanzando gran éxito dentro y fuera de Cuba.
Este cuarteto graba un sencillo junto a Lucho Gatica y comparte escenarios con figuras de la talla de Pedro Vargas, Nat King Cole, Edith Piaf, Rita Montaner, Ignacio Villa “Bola de Nieve” y Benny Moré, entre otros.
Trabajando aún con las D´Aida graba su primer álbum en solitario, Magia Negra, en el año 1959. En este álbum cruza música cubana y jazz e incluye versiones de ‘That Old Black Magic’ y ‘Caravan’ de Duke Ellington.
En el año 1961 convinó su labor artística con la de impartir clases de Bailes Populares en la Escuela de Instructores de Arte.
En el año 1967 comienza su carrera de solista, representando ese mismo año a Cuba en Polonia, en el Festival Internacional de la canción SOPOT, donde obtuvo el primer premio. A partir de ese momento ha representado a su país en numerosos escenarios de todo el mundo, dejando siempre en un lugar muy alto la calidad de la música cubana.
En 1996 cuando el guitarrista americano Ry Cooder se encontraba en La Habana con Nick Gold de World Circuit para las sesiones de Buena Vista, Omara estaba casualmente en los estudios Egrem, Juan de Marcos González la invita a cantar y ella escoge la antológica ‘Veinte Años’. La cantó con Compay Segundo, y se convirtió en uno de los temas destacados del álbum que en 1997 fuera ganador del premio Grammy.
Como única inérprete femenina del afamado CD, forma parte de las apariciones legendarias de Buena Vista en Amsterdam y en Carnegie Hall de Nueva York y participó en el álbum “Buena Vista Social Club presenta... “Ibrahim Ferrer”.
En el 2000 World Circuit lanza “Buena Vista Social Club presenta... “Omara Portuondo”, el tercer lanzamiento de la serie y un álbum que finalmente coloca su expresiva voz donde le corresponde: al centro del escenario. Este proyecto fue grabado con una banda de ensueño que incluía a músicos del Buena Vista como Rubén González, Orlando ‘Cachaito’ Lopez, Luis Manuel ‘Guajiro’ Mirabal y Jesús ‘Aguaje’ Ramos, además de invitados como Eliades Ochoa, Compay Segundo, Manuel Galbán e Ibrahim Ferrer. El álbum fue acogido con grandes elogios de la crítica, y condujo a Omara a una gira por todo el mundo en el 2000-2001, igualmente obtuvo una nominación en la 43 Edición de Premios Grammy en la categoría de mejor Album de Música Tropical Tradicional.
Posteriormente, en el año 2007 mientras Omara giraba en Brasil, contactó con una de las leyendas de la música popular brasileña: la cantante Maria Bethânia. Con ella grabó en Rio de Janeiro, secundada por músicos de ambos países. Inició el año 2008 con la gira junto a Bethânia y que prosiguió con la grabación “Gracias” el disco con el que la cantante cubana celebró su sexagésimo aniversario de carrera. En Gracias, Omara recuperó los temas que más la han conmovido, y trabajó con autores por ella admirados como Silvio Rodríguez, Pablo Milanés o Jorge Drexler, compositor del tema que da nombre al disco, dedicado especialmente a Omara. No son estos, sin embargo, los únicos invitados de lujo de esta efeméride: por si el elenco no fuera ya de por sí estelar, se han querido sumar a él Chucho Valdéz, el sensacional músico africano Richard Bona y el maestro brasileño Chico Buarque.
Con el lanzamiento del disco, Omara giró extensamente en Europa, America Latina, y Oriente.
En octubre 2009, Portuondo viajó a EUA para presentarse en concierto después de su última visita seis años atrás. Ambos conciertos en San Francisco y en Los Ángeles fueron elogiados por el público y la crítica en California.
Al siguiente mes, el álbum Gracias fue galardonado con el GRAMMY Latino 2009 en la categoría de “Mejor Álbum Tropical Contemporáneo”. Fue una noche muy especial ya que Omara estuvo presente en la ceremonia e hizo historia como primera artista residente en Cuba en subir al escenario de los GRAMMY Latinos para presentar uno de los premios. El álbum también fue nominado en los GRAMMY en la categoría de “Mejor Álbum Tropical”.
Omara lanza su último disco, Omara & Chucho (Montuno Producciones) en primavera de 2011, 14 años después de su último álbum juntos.
También en el 2011, fué lanzado en Cuba álbum Reír y Cantar (Bis Music, Cuba) donde Omara interpreta clásicos del repertorio infantil. Este álbum ha sido nominado a los premios GRAMMY Latino en la categoría de Mejor Álbum para niños.
Los profesionales y el público especializado destacan la calidad y la pureza de su prodigiosa voz, su amplio registro y su versatilidad, esa capacidad que le permite pasar de un estilo a otro con total dominio y sutil maestría: feeling, jazz, nueva trova, canción tradicional cubana, son, danzón, bolero, habanera...
Omara es hoy la “Cubanísima Omara Portuondo”, la sonera mayor, la voz del sentimiento y la sensibilidad de la música cubana, símbolo genuino de la cultura de su país.
GénerosMúsica mexicana y antigua
SemblanzaA lo largo de su carrera solista Jaramar ha presentado su trabajo en los principales escenarios mexicanos, como la Sala Nezahualcóyotl, el Centro Nacional de las Artes, el Teatro de la Ciudad de México y el Lunario del Auditorio Nacional, en la Ciudad de México; y en Guadalajara, ciudad sede de su proyecto, los Teatros Diana y Degollado.
La lista de escenarios nacionales donde ha sonado su música abarca también, entre otros, el Teatro Ángela Peralta (Mazatlán, Sin.) el Teatro Juárez (Guanajuato, Gto.), el Teatro La Paz (San Luis Potosí, S.L.P.), el Teatro Hermanos Domínguez (San Cristóbal de las Casas, Chis.), y el Teatro Ocampo (Morelia, Mich.).
Más allá de las fronteras mexicanas, Jaramar ha recorrido escenarios de Ecuador, Estados Unidos, Canadá, Francia, Portugal, Suiza, Bélgica, Holanda, Alemania y más recientemente la India.
Asimismo, ha colaborado en proyectos multidisciplinarios con artistas plásticos, videoastas y bailarines. Resaltan entre estas experiencias su proyecto “Desierta piel” inspirado en las “Cartas de la Monja Portuguesa Mariana Alcoforado” y con la Compañía Contempodanza la obra “Marea de arenas”, proyecto que la llevó a interpretar sus canciones a capella en el escenario del Palacio de Bellas Artes.
GénerosMúsica familiar
SemblanzaNació en San Jorge, provincia de Santa Fe, Argentina, en 1958.
En Buenos Aires se recibió de Musicoterapeuta (Diploma de Honor) en 1979. Realizó estudios de: piano, canto, pedagogía musical, armonía y composición. Trabajó como Musicoterapeuta en rehabilitación de mujeres operadas de mama y con pacientes psiquiátricos, niños y adultos.
Fue profesor de música en preescolar, escuelas primarias, secundarias, y Universidades.
Dirigió centros culturales en Buenos Aires.
Trabajó para la Secretaría de Cultura de la Nación (Plan Nacional de Lectura), Argentina, durante tres años, dando charlas, seminarios y talleres sobre creatividad y animación musical por todo el país. Dio un curso de "Humor en la narrativa" en la Facultad de Filología de Valencia (España).
Como compositor de canciones infantiles tiene varios discos: El vampiro negro, Cassette pirata y Bocasucia, además de dos antologías. Desde 1997 canta en el programa Bizbirije, Canal 11 (México). Desde 1994 conduce un programa de radio de humor y música para niños, Premio Musa de la radio, al mejor programa infantil (México, 2000), Radio Unam.
Es miembro fundador del Movimiento de la Canción Infantil Latinoamericana y del Caribe (1994).
Como comediante para adultos y niños actuó en teatros, radio y televisión de Argentina, Cuba, México, Estados Unidos, Chile, Brasil, Colombia y España. Se destaca su participación en el Festival Internacional Cervantino (México), y la temporada infantil 2001 del Teatro Gral. San Martín, Argentina.
Es autor de varios libros de humor para niños, tanto conceptuales, como de narrativa, entre los que se destacan Natacha (Alfaguara) un libro de humor y filosofía (traducido al catalán); y Caperucita tal como se la contaron a Jorge (Alfaguara), que obtuvo el Premio Nacional Cuadro de Honor de la Literatura Infantil, Argentina, el Premio ALIJA al mejor libro, y el premio "The White Ravens 1998" (Internationale Jugendbibliothek, Alemania).
En la misma línea, de humor y filosofía, es autor de Historia de los señores Moc y Poc, Ed. Sudamericana. Preparó La Mona Risa, una antología de humor en la narrativa (Alfaguara/España).
En 1997 ganó el Premio Casa de las Américas, Cuba, con su novela El ciudadano de mis zapatos.
Con su novela infantil Frin ganó el Premio Fantasía (Argentina, 2000); considerado entre los mejores libros infantiles y juveniles en español, figuró en la Lista de honor de la revista Cuatrogatos (EEUU, 2001), y también recibió el premio "The White Ravens 2001" (Internationale Jugendbibliothek, Alemania).
"Libros del Rincón" de la Secretaría de Educación Pública (México), publicó su "Taller de animación musical y juegos", en cuatro ediciones que suman más de 200.000 ejemplares.
También escribió humor para adultos: Qué fácil es estar en pareja.
En co-autoría con Rudy escribió La vida y otros síntomas; y con Jorge Maronna, Copyright.
Como autor está presente en Argentina, España, Cuba, Colombia, México, Venezuela, Estados Unidos, Bolivia, Perú, Chile, Ecuador y Paraguay. Ha sido invitado a Ferias de Libros en México, Chile, Brasil y Argentina. Varios de sus textos fueron llevados a teatro.
Fue invitado a formar parte del jurado del Premio Casa de las Américas 2002 (Cuba), para Literatura Infantil y Juvenil.
GénerosVarios
SemblanzaKevin nació en Alaska, de madre argentina y padre norteamericano. Tuvo un breve paso por el rock argentino, con Instrucción Cívica (Obediencia Debida, 1985, disco de oro en Perú). En 1990 se fue a redescubrir la América del Norte de su infancia y vivió allí casi diez años. Al poco tiempo de cantar, conoció a Hilly Krystol, dueño de CBGB`s, quien lo invitó a participar de su futuro sello. Durante los 90 grabó y tocó allí como house band, también en el Knitting Factory y el Mercury Lounge, entre otros. En el 2000 Kevin regresó a Buenos Aires definitivamente.
The Nada es el grupo fundado por Kevin Johansen en Nueva York, donde grabó su primer disco también titulado The Nada, donde sorprende por su eclecticismo, bilingüismo y sutileza de las canciones. De a poco fue conquistando a la crítica y al público, convirtiéndose en un referente del circuito alternativo de Buenos Aires y prontamente, también en España.
Tras editar en Argentina "Sur o no Sur" a fines de 2002, Kevin logró un gran suceso en el 2003 y luego fue nominado por dicha placa a tres Grammy Latinos, en categorías fundamentales como Álbum del año, canción del año y mejor video.
En 2005 el artista fue nominado al premio Grammy Americano (NARAS) y el Chicago Tribune se referió al álbum como uno de los diez mejores discos latinos.
En abril de 2007 se edita su cuarto álbum de estudio de Kevin Johansen + The Nada, "Logo", nominado por Los Angeles Times como uno de los cinco mejores discos del año y nuevamente es nominado para los Grammy Latinos (“Álbum de música alternativa”, “Canción alternativa” ( “Anoche soñe contigo” y “Video musical Versión corta”, por la misma canción.
A fines de 2008, Kevin edita, junto al reconocido dibujante argentino Liniers, su libro OOPS! (Ediciones de la Flor), libro en el que las letras de los temas de Kevin se unen a las ilustraciones que Liniers hace de sus canciones. La propuesta es llevada al vivo y durante el 2009, OOPS! en VIVO es presentado en un tour de gran repercusión por Latinoamérica y España, culminando con el registro de “VIVO EN BUENOS AIRES”, el nuevo trabajo discográfico de Kevin Johansen + The Nada + Liniers, un registro en CD y DVD editado a principios del 2010 (Sony Music).
Actualmente, Kevin junto a The Nada realizan la gira latinoamericana de presentación del nuevo trabajo, llenando salas enteras y llegando a nuevos lugares, que se deslumbran con este artista inclasificable y único.
Divertidas, profundas, lúdicas, inteligentes, reflexivas, son algunas de las características con las que se pueden definir su música y sus canciones. Un artista de carácter internacional, una banda sólida forjada a lo largo de los años y un concierto de los más completos que se pueden presenciar hoy en Argentina son los mejores argumentos que nos brinda hoy Kevin Johansen, este aire fresco en la música del continente.
GénerosTrova cubana
SemblanzaAMAURY PÉREZ VIDAL O EL ARTE POR TODAS PARTES
Por Arleen Rodríguez Derivet
En una esquina raramente ruidosa del muy quieto y elegante barrio de Miramar, en La Habana, vive uno de los artistas más prolíficos y polémicos de Cuba. Él, su esposa y el pequeño perro de ambos, habitan los bajos de un edificio multifamiliar de mediados del pasado siglo, castigado por los años y el salitre si se le mira desde afuera. Otra cosa es entrar al santuario que se ha ido construyendo la pareja. El arte puede esperarte en la puerta y “hacerte venir”, como clamaba cierta canción suya, cada vez que puedas.
Amaury Pérez no está quieto ni durmiendo. Como la mayoría de los artistas, necesita pastillas para ayudar al sueño y en las horas más aparentemente tranquilas, el tabaco y una verde hojita de drago canadiense se mueven en sus manos inquietas al ritmo de la melodía que suene, en sus audífonos si está solo o amplificada si lo acompaña alguien.
Si no hay trabajo urgente, siempre habrá amigos, cuyas visitas él trata de ordenar para que sea total el disfrute, de la charla, el cine, o la música. Quizás otra persona tenga antes o al mismo tiempo que él la mejor copia del disco, el libro o la película que están en las listas de lo que se ve, se oye y se lee en Madrid, México, Nueva York, pero seguramente en ningún otro lugar esa suerte se comparte tan generosamente con los amigos en combinación con una charla imaginativa y desbordante, exclusiva del lugar.
Pero no hay dudas de que, más que a buscar la novedad, los amigos van a buscarlo a él y a llenarse de su ambiente, cargado de arte por todas partes. Una vez me aventuré a preguntarle si recordaba cuál fue su primer acto artístico y me respondió sin dudar: “Nacer. Del vientre de mi madre fui al cunero y de allí a las cámaras de CMQ. Y tres meses después fui protagonista del primer bautizo televisado de América Latina.”
La actriz Isabel Santos, amiga común, suele decir que Amaury tiene el pedigrí más envidiable de un artista en Cuba. Primogénito de la versátil Consuelo Vidal y del más importante productor de televisión durante largos años que fue Amaury Pérez García, aprendió a hablar y caminar entre cámaras y luces, hizo comerciales casi toda su niñez y creció en un hogar donde los artistas más famosos del país eran parte de la familia. Y no solo de televisión. Benny Moré, Olga Guillot, Celia Cruz, Pello el Afrocán o Los Zafiros, eran visita frecuente en su casa. Sin embargo, dice Amaury, que hasta Los Beatles no concibió la música como un camino. Todo lo que le rodeaba le sonaba muy común, cercano, pero no lo deslumbraba. Entonces aparecieron Silvio y Serrat quienes completaron el set del escenario que finalmente eligió para hacer su vida.
Cualquiera que se acerca a la obra y a la proyección escénica del autor de “Acuérdate de abril”, se percata enseguida de que no encaja exactamente en el perfil de un trovador. Para empezar, carece de la sobriedad, la mesura y hasta del discurso de sus colegas de movimiento.
De la Nueva Trova lo atraían la poesía, la canción inteligente, la música. Pero “ellos eran anti espectáculo y yo adoraba el espectáculo. Lo peor es que al mismo tiempo, yo no me sentía bien en el mundo de las lentejuelas y el show sin contenido. No encajaba definitivamente en ninguno de los dos extremos.”
Con cerca de 500 canciones escritas, mitad grabadas en 28 discos y mitad por grabarse aún, con tres libros publicados –uno de cuentos y dos novelas- y dos programas de televisión que hicieron época –“Muy personal” (1996) y “Con dos que se quieran” (2011)-, además de dirigir grandes espectáculos, actuar en un par de películas, una obra de teatro, hacer música para cine y televisión y conducir dos programas de radio, Amaury sigue insatisfecho.
Mientras escribo estas líneas, está en fábrica un disco doble que sería el número 27 de su discografía: Canciones a Petí, conjunto sorprendente y rompedor, que es al mismo tiempo, un homenaje a todos los sonidos con los que creció y al amor que comparte con Petí, su esposa, musa y asistente, hace más de 30 años. Ella le corresponde trabajando infatigablemente por crearle un espacio amplio y fresco en el hogar, ese lugar de donde jamás quisiera moverse el artista.
Tiene listos para publicar tres nuevos libros: Sonetos, el segundo tomo de sus entrevistas Con dos que se quieran y Crónicas de Facebook. Y acaba de terminar el disco número 28 de su discografía: Gratitudes.
En una sociedad polarizada por las luchas políticas que siempre genera un proceso revolucionario radical, lo común ha sido estar en un extremo o en el otro. En ese contexto, Amaury se declaró católico practicante cuando el ateísmo era la práctica; le cantó al amor homosexual a riesgo de que le colgaran el cartelito en épocas muy duras con esa orientación sexual y mantuvo amistades con quienes se fueron de Cuba, al mismo tiempo que defendió, dentro y fuera del país, su prerrogativa de vivir en su patria.
GénerosTango
Semblanza“El Ángel Vive”
Astor Piazzolla - 100 años
La Camerata Porteña, fundada en 1986 por el Maestro Marcelo Rodríguez Scilla, a instancias del propio Astor Piazzolla, se ha dedicado desde sus inicios a la renovación del Tango Contemporáneo.
Su rasgo distintivo es la lograda combinación de la sutileza
y precisión de la música de cámara, con la fuerza expresiva de la música de Buenos Aires, tanto en los arreglos e interpretación de la obra piazzolleana como en la concepción de composiciones propias.
Esto convierte a la Camerata Porteña en una orquesta única en su género, que ha sido declarada de “interés cultural para la Nación” tanto por la Secretaría de Cultura como por la Cancillería Argentina, entidades que apoyan sus presentaciones internacionales.
La prensa especializada internacional se ha referido a la Camerata Porteña como “los auténticos herederos de Piazzolla”, no sólo por la exquisita interpretación de su obra, sino también por continuar su legado con composiciones de varguandia.
Entre muchas otras, su “Suite El Ángel Vive”, primera obra integral que refleja a través de sus movimientos las sucesivas etapas musicales del Maestro Piazzolla.
La Camerata Porteña está integrada por músicos solistas, que además son profesores de la “Orquesta Sinfónica Nacional” de Argentina, y de la “Orquesta Estable del Teatro Colón” de Buenos Aires.
La voz inigualable del carismático Guillermo Ibáñezacompaña sus conciertos.
Durante su extensa trayectoria la Camerata Porteña se ha presentado
en destacados Festivales y Teatros de América, Europa y Australia, (ver aquí)
• Sydney Opera House, Concert Hall, Sydney, Australia
• Tchaikovsky Concert Hall, Sociedad Filarmónica de Moscú, Rusia.
• Tyumen Philharmonic Concert Hall, Tyumen, Rusia.
• Festival Internacional Cervantino, Escenario Principal en la Explanada de la Alhóndiga de Granaditas, México.
• Teatro Ángela Peralta, Teatro Pablo de Villavicencio, Centro Cultural
Constitución, México.
• Palacio de Bellas Artes, Sala principal de concierto, Ciudad de México.
• Teatro Colón, Bogotá, Colombia
• Casa de la Música, Sociedad Filarmónica de Quito, Ecuador.
• Aula Magna de la U.C.V., Caracas, Venezuela.
• Teatros Coliseo, General San Martín, De las Provincias y Presidente Alvear, Buenos Aires, Argentina
• Teatro Ateneo, Panamá.
• Manzana Uno, Plaza principal de Santa Cruz de la Sierra, Bolivia
• Sala Guirau, Centro Cultural de la Villa de Madrid, España.
Asimismo, el director de la Camerata Porteña ofrece la Master Classes "El Ángel Vive", sobre la Obra musical del Maestro Astor Piazzolla y su forma de composición e interpretación, destinada para músicos profesionales, estudiantes avanzados y público en general.
En algunas ciudades es posible invitar orquestas sinfónicas y de cámara locales a tocar en conjunto en los conciertos. Estos eventos culturales son muy apreciados en diversos países.
GénerosDel romántico al Jazz
SemblanzaEstá considerada como una de las cantantes más versátiles y sobresalientes de la música popular contemporánea de México.
Su calidad interpretativa, hace de Margie una artista de excepción en nuestro medio musical.
Su tarea ha sido el riesgo continuo, ya que no entra en los cánones comerciales, ni en los de la cultura ortodoxa.
Con una larga trayectoria, ha sido intérprete de diversos géneros musicales y creadora de espectáculos interdisciplinarios y teatrales.
Se ha presentado en los foros y festivales internacionales más relevantes de nuestro país y del extranjero.
Su producción discográfica cuenta con catorce títulos bajo el sello de Ediciones Pentagrama y Urtext Digital Classics. Creador Escénico con trayectoria FONCA 2015 – 2017.
Si tienes interés en contratar a alguno de nuestros artistas, ponte en contacto con nosotros a través de nuestro correo o de nuestro Formulario AQUÍ.
